El cubismo y Fernando Llort

El cubismo y Fernando Llort

Se denominó CUBISMO a un movimiento artístico que se manifestó sobre todo en pintura, cuyo objetivo principal era el de alejarse de la representación naturalista y conseguir plasmar de modo simultáneo sobre la superficie del cuadro un objeto visto desde múltiples ángulos.


 Fué desarrollado principalmente por Georges Braque y Pablo Picasso desde 1905, y alcanzó su apogeo alrededor de 1914, evolucionando durante la década de 1920.

Los cubistas rechazan la perspectiva y el movimiento y le dan primacía a la línea y la forma.
Aunque se acepta que el cubismo como movimiento artístico comienza en 1907, fecha de Las señoritas de la calle Avinyó, de Pablo Picasso (ése es el nombre original de Las señoritas de Avignon), la verdad es que ese cuadro supone una culminación de experiencias iniciales, ya en 1906.

Los principales temas serán los retratos y las naturalezas muertas urbanas, los elementos que se disponen de modo caótico sobre la mesa de un café.

Así un objeto puede ser visto desde diferentes puntos de vista, rompiendo con la perspectiva convencional y con la línea de contorno. Desaparecerán las gradaciones de luz y sombra y no se utilizarán los colores de la realidad, apareciendo en las representaciones el blanco y negro. Las formas geométricas invaden las composiciones.

Los principales temas serán los retratos y las naturalezas muertas urbanas.
Y es por eso que el pintor Fernando Llort, en El Salvador a realizado su obra más representativa quién es hijo de una de las vanguardias ,que además hace o tiene una influencia en sus obras maestras de Pablo Picasso con el tema del Cubismo.

 Y su obras más representativa se encuentra en la Palma, Chalatenango,donde se encuentran sus murales muy bien identificados son su arte.

Mural de Fernando Llort en la Palma,Chalatenango
Entre las Etapas del Cubismo ,Se distinguen diversas fases en el desarrollo del Cubismo como :

Cubismo Analítico
Caracterizado por la descomposición de la forma y de las figuras en múltiples partes, todas ellas geométricas. El objetivo es examinarlas y ordenarlas por separado. Es el cubismo más puro y el de más difícil comprensión.

Cubismo Sintético
Al Cubismo Analítico le sucede el cubismo sintético, que es la libre reconstitución de la imagen del objeto disuelto. El objeto ya no es analizado y desmembrado en todas sus partes, sino que se resume su fisonomía esencial. La síntesis se realiza resaltando en el lienzo las partes más significativas de la figura que serán vistas por todos sus lados.

Comparación ruta Gaudi y la iglesia el rosario

Comparación ruta Gaudi y la iglesia el rosario

El nombre de Antonio Gaudí es sin dudas sinónimo de grandeza y está ligado de manera permanente a nuestra ciudad, Barcelona! Si visitas Cataluña y más en concreto, Barcelona, no puedes perderte de hacer la Ruta por el Modernismo Catalán más puro. El arquitecto Antonio Gaudí es sin dudas el Padre del Modernismo y dejo en Barcelona un sin número de edificios y lugares que harán tu visita inolvidable.

Finca Güell
Construida entre 1884 y 1887 se encuentra en la "Av. de Pedralbes 77"
Por una angosta entrada se adentra el visitante en el paraíso de color y formas imaginarias que Gaudí creó para su gran amigo y promotor, el industrial Eusebi Güell.

La puerta de la Finca Miralles
En "Passeig Manuel Girona"
Pequeño encargo de su amigo, sólo una puerta, curiosamente en contraste con la Casa Calvet que en aquella época construía.

Bellesguard  (1900-1909) en "C. Bellesguard"
Símbolo de Cataluña, pues el último rey catalán, Martí I, había tenido allí su casa de recreo. Siglos más tarde esta construcción gótica fue modificada por Gaudí llegando a un resultado de genial armonía.

Colegio Teresiano (1888-1889) en "Ganduxer, 87"
Este colegio de inspiración gótica que Gaudí trabajó respetando estrictamente los principios de pobreza la orden, resultó una genial combinación de formas tradicionales y futuristas.
Casa Vincens  (1883-1888) en "Carrer de les Carolines 18-24"
Su debut arquitectónico. No es el palacio de un príncipe de las 1001 noches, sino de un fabricante de azulejos, material que el artista empleó masivamente, junto con otros también muy baratos como ladrillo e hierro, obteniendo los impresionantes resultados que le marcaron durante toda su carrera.

Casa Milá  (1906-1910) en "Passeig de Gràcia 92"
Es quizás el edificio que mejor sintetiza todos los elementos arquitectónicos de Gaudí, con su fachada porosa como si de las dunas del desierto se tratara, con su aspecto de panal de abejas o como si de una formación de soldados se tratara. Sin embargo, por futurista, en su época fue criticado y satirizado, por ello el nombre que recibió de "La Pedrera".

Casa Batlló  (1904-1906) en "Passeig de Gracia 43"
Fachada sin una singular línea recta, incluso sus muros son ondulados, como si estuviese elaborada en piel, como sus puertas de piel de ternero que tanto alabó Dalí. Elefantes, monstruos o máscaras venecianas entre otros son los elementos que evocan la contemplación de su fachada. Como utilizó el azulejo en infinitos y delicados matices de azules es otra curiosidad que no se le escapa al visitante.

Casa Calvet  (1898-1900) en "Carrer de Casp"
Otra de sus casas con propósitos prosaicos; edificio de viviendas y negocios. Este fue el edificio más convencional que proyectó Gaudí. Por él recibió la única mención de su vida como reconocimiento de la ciudad a su trabajo.

Cripta de la Colonia Güell Esta pequeña capilla, integrada genialmente en el paisaje, se puede visitar a unos 15 km a las afueras de la ciudad.

Iglesia el rosario

Desde 1971, la iglesia El Rosario es un patrimonio religioso de los salvadoreños como una de las últimas iglesias construidas en la capital, que conserva un diseño arquitectónico moderno, enriquecido con influencia europea y única a nivel del continente. En comparación a otros templos, la iglesia no tiene pilares que obstaculicen la visibilidad de los fieles hacia el altar y las vistosas imágenes religiosas que destacan en su interior.

Además, esta extraordinaria edificación guarda un estilizado vía crucis hecho a base de hierro negro forjado sobre cemento y piedra pómez elaborado de una manera extraordinaria que suscita a la contemplación artística de cada una de las piezas.

A la fecha, en la iglesia El Rosario descansan los restos de próceres como los hermanos Aguilar (Nicolás, Vicente y Manuel), elementos que hacen de este templo un Bien Cultural protegido por la convención de la Haya y consagrado como Lugar Histórico según el decreto #38 de la Asamblea Legislativa en 1972.

Neoromanticismo ¿Es buena o mala en El Salvador?

Neo-romanticismo es un movimiento amplio de cruzar fronteras artísticas que dieron más importancia a la representación de los sentimientos internos. Todo comenzó como una reacción al naturalismo en el siglo 19 y se remontaba a la época romántica, pero se ha convertido desde entonces en una reacción al modernismo y post-modernismo. Neo-romanticismo comenzó en Gran Bretaña alrededor de 1880, pero más tarde se extendió a otras partes del mundo, incluyendo Europa del Este, América e incluso la India. Cubre la pintura, la literatura y la música.

Características de los neo-romanticismo incluyen la expresión de emociones fuertes como el terror, temor, terror y amor. El movimiento buscó revivir el romanticismo y el medievalismo, promoviendo el poder de la imaginación, lo exótico y lo desconocido. Otras características incluyen la promoción de experiencias sobrenaturales, el uso y el interés en los arquetipos de Jung y el ilusionismo semi-mística del hogar y de la nación.

Las emociones humanas son tan importantes como lo sobrenatural. Neo-romanticismo buscaba promover las ideas como el amor perfecto, la belleza de la juventud, los héroes y las muertes románticas. Estos incluyen las tradiciones románticas de Lord Byron.

En términos de estilo, pinturas tienden a virar hacia el histórico y el natural. Hubo un movimiento consciente e intelectual fuera de la maquinaria feo de la revolución industrial y hacia la belleza simplificada de una época pasada. La mayor parte de esto fue la nostalgia mezclada con fantasía, ideas del pasado despojado de sus sombrías realidades.

Neo-romanticismo continuó en los siglos 20 y 21 en la pintura. Ellos tal vez llegaron a su cúspide después del 1 de Guerra Mundial y de nuevo después de la 2ª Guerra Mundial, cuando se utilizó el estilo para representar las experiencias sombríos de la guerra. Estas pinturas incluyen "La comunicación del odio" de Keith Vaughn y John Caxton del "soñador en el paisaje." Otros renombrados pintores neo-románticos incluyen Paul Nash, Graham Sutherland y Eugene Berman.

https://www.youtube.com/watch?v=kF49bL593vk

Libertad guiando al Pueblo y Primer Grito de Independencia (Análisis y comparación)

Libertad guiando al Pueblo y Primer Grito de Independencia (Análisis y comparación)

Primer Grito de Independencia  (1957) de Luis Vergara Ahumada.
Alguna vez hemos visto el cuadro del "Primer Grito de Independencia" del chileno Luis Vergara Ahumada, lo hemos visto en cromos, afiches, sellos postales referentes al día de independencia, en el reverso del billete de 5 colones  o incluso en la misma ex casa presidencial en San Jacinto; este es un cuadro importante pues representa un gran momento en la historia en el país.

 La Libertad guiando al pueblo (La Liberté conduisant le peuple aux barricades) fue pintada por Eugène Delacroix inmediatamente después de los sucesos del 28 de julio de 1830, que motivaron la caída de Carlos X y su sustitución por Luis Felipe de Orleáns, el llamado Rey Burgués.
En medio de una ciudad en llamas, surge una mujer, con el torso desnudo, que representa a la vez la Liberad y Francia, porta en su mano derecha la bandera tricolor y en la izquierda el fusil.

Le acompañan miembros de las diferentes clases sociales, un obrero con una espada, un burgués con sombrero de copa portando una escopeta, un adolescente con dos pistolas, etc., para manifestar la amplia participación y dejar clara que la causa común no mira la procedencia jerárquica. A los pies de la figura principal, un moribundo mira fijamente a la mujer para señalar que ha merecido la pena luchar.

La composición se inscribe en una pirámide cuya base son los cadáveres que han caído en la lucha contra la tiranía, cadáveres iluminados para acentuar su importancia, que se contraponen con el gesto hacia delante de los combatientes.

La Libertad guiando al Pueblo (La Liberté guiant le peuple)
Eugène Delacroix (1830). Aunque no lo parezca comparte cierta similitud con el cuadro "La Libertad guiando al pueblo" de Eugene Delacroix, y no es de esperar puesto que fue pintado un poco mas de 100 antes que el primer Grito de Independencia, claro esto no es una acusación de plagio ni nada por el estilo, pero al analizar en detalle los dos cuadros se notan algunas similitudes que pronto les haré notar.

La Libertad guiando al pueblo (La Liberté conduisant le peuple aux barricades) fue pintada por Eugène Delacroix inmediatamente después de los sucesos del 28 de julio de 1830, que motivaron la caída de Carlos X y su sustitución por Luis Felipe de Orleáns, el llamado Rey Burgués.
En medio de una ciudad en llamas, surge una mujer, con el torso desnudo, que representa a la vez la Liberad y Francia, porta en su mano derecha la bandera tricolor y en la izquierda el fusil.

Le acompañan miembros de las diferentes clases sociales, un obrero con una espada, un burgués con sombrero de copa portando una escopeta, un adolescente con dos pistolas, etc., para manifestar la amplia participación y dejar clara que la causa común no mira la procedencia jerárquica. A los pies de la figura principal, un moribundo mira fijamente a la mujer para señalar que ha merecido la pena luchar.

La composición se inscribe en una pirámide cuya base son los cadáveres que han caído en la lucha contra la tiranía, cadáveres iluminados para acentuar su importancia, que se contraponen con el gesto hacia delante de los combatientes.

Breve Comparación entre Ambos cuadros

• La Mirada de José Matias Delgado en el primer cuadro es similar a la de la alegoría de la Libertad en el segundo cuadro

• Ambos cuadros contienen personajes de diferentes clases sociales

• El fondo de ambos cuadros se encuentra difuso

• En ambos cuadros, los personajes de fondo siguen la mirada del personaje del centro mientras este alza sus manos hacia el cielo

• Los trajes de los personajes en ambos cuadros son similares

Diferencias entre el Greco y Botero

Diferencias entre el Greco y Botero

EL GRECO

Doménikos Theotokópoulos nació en Candía (Creta), en 1541. Hasta los 26 años vivió en su isla natal, donde fue un apreciado maestro de iconos en el estilo pos bizantino. Residió diez años en Italia, donde se transformó en un pintor renacentista, primero en Venecia, asumiendo plenamente el estilo de Tiziano, y después en Roma, en contacto con el manierismo de Miguel Ángel. En 1577 se estableció en Toledo, donde vivió y trabajó el resto de su vida. Durante los 37 años que El Greco reside en Toledo, su arte sufre una profunda evolución.

En una primera etapa, se mantiene fiel a sus fuentes italianas. Pero hacia 1600, se intensifican los elementos artificiales e irreales de sus obras, fundamentalmente anti naturalistas y neoplatónicas. Murió en Toledo, en 1614.

 Aunque pintó sobre todo obras religiosas, se le deben también importantes retratos (Félix Paravicino, El caballero de la mano en el pecho) y algunos cuadros de temática diversa.

BOTERO

Pocos artistas hispanoamericanos han logrado tanta repercusión a nivel internacional como el pintor y escultor colombiano Fernando Botero. Su personalísimo estilo, que tiene entre sus rasgos más fácilmente identificables el agrandamiento o la deformación de los volúmenes, ha merecido la admiración tanto de la crítica como del gran público, que no puede sustraerse a la singular expresividad de una estética en la que las problemáticas humanas y sociales ocupan un lugar prioritario.

Sus primeras obras de retratos, paisajes y escenas costumbristas están realizadas con una pincelada muy suelta, que se irá empastando progresivamente, al tiempo que tanto la perspectiva como las figuras se hacen arbitrarias.

A principios de los años sesenta Fernando Botero se estableció en Nueva York, donde sus pinturas le granjearon una notable popularidad en el mercado artístico estadounidense. Entre sus obras más conocidas cabe destacar La alcoba nupcial,Mona Lisa a los doce años y El quite. Su traslado a París coincidió con sus primeros trabajos escultóricos, que compartían las características de su obra pictórica.

El estilo de Botero, plenamente figurativo, se caracteriza en lo plástico por cierto aire naïf y en lo temático por la representación de personas y animales siempre como figuras corpulentas, incluso claramente obesas.

Analisis obra, Leonardo da Vinci y El Bosco

Analisis obra, Leonardo da Vinci y El Bosco

Leonardo da Vinci

Investigadores italianos revelaron las técnicas de pintura de Leonardo da Vinci, señalando que no "usó la paleta y mezclaba los colores directamente en las telas". 

Mediante la utilización de un sistema científico, los expertos de la Universidad de Florencia analizaron la pintura "Virgen de la Rueca" en la que aseguraron se puede apreciar "cada pincelada" hecha por el artista del Renacimiento. 

El meticuloso análisis del óleo permitió determinar que Da Vinci evitaba mezclar los colores en una paleta de pintor, como hacían sus contemporáneos. Leonardo da Vinci aplicaba delgadas capas de pintura directamente en las telas, en diferentes colores uno encima del otro, para crear una textura múltiple. 

Diferencias entre los artistas Bosco y  Leonardo Da Vinci:

• Exploraron en sus pinturas el mundo de los sueños ya que  el Bosco expresaba  sus ensoñaciones esotéricas y religiosas.

• Sus pinturas están pobladas de escenas grotescas protagonizadas por seres fantásticos que sucumben a toda índole de fantasías, angustias y anhelos humanos.

• Una de sus grandes genialidades fue tomar las representaciones figurativas y escénicas conocidas como drolleries, que utilizan monstruos y seres grotescos para ilustrar los pecados y el mal, y trasladarlas de los márgenes de los manuscritos miniados a pinturas en retablos de gran formato.

El Bosco

Las figuraciones y técnicas de El Bosco son notablemente diferentes de las empleadas por otros maestros flamencos. Técnicamente pintaba alla prima, es decir, con la primera pincelada sobre el lienzo y aplicando nuevas capas de pintura sobre otras todavía húmedas. Sin embargo, el análisis de cada una de sus obras demuestra que hacía un concienzudo y detallado proyecto antes de la ejecución; innovó también en la gama de colores, con tonalidades más contrastadas y atrevidas.

En cuanto a la figuración, el Bosco se destaca por representar a personajes santos como sujetos comunes y vulnerables (total diferencia en esto con Van Eyck, y en cambio mucha similitud conMatthias Grünewald). Es tan patética la vulnerabilidad de los personajes santos representados que los hace queridos por empatía. Prácticamente todos los personajes que representa tienen algo de caricatura.

El arte rococó en El Salvador

El arte rococó en El Salvador

Europa se ha caracterizado como el continente más antiguo del mundo y es por tal razón que en la sociedad es conocido como el viejo continente, el cual tiene una gran riqueza histórica en cada una de sus naciones y que han influido en otros continentes del mundo tal y como lo es en América, tras la conquista de los españoles, portugueses, franceses e ingleses,  quienes establecieron su dominio sobre las tribus del continente americano  y junto con ello arrancaron la cultura nativa de los lugareños, mezclándola con las diferentes tradiciones y costumbres europeas, las cuales podemos decir que no solo se enmarcaron en el comportamiento humano,  sino que también en el arte y su arquitectura que han sido los rasgos más evidentes sobre dicho continente en los países americanos.

El estilo Rococó nace en Francia a principios del siglo XVIII y se desarrolla durante los reinados de Luis XV y Luis XVI. Ha sido considerado como la culminación del Barroco, sin embargo, es un estilo independiente que surge como reacción al barroco clásico impuesto por la corte de Luis XIV. 

La nota más llamativa es su tendencia a expresarse en interiores decorativos. Sus manifestaciones se ciñen a los siguientes campos: Las expresiones mobiliarias, Las expresiones decorativas y utilitarias en cerámica, cristal y orfebrería. La tapicería, Las tipologías de pintura y escultura.

La palabra rococo es una combinación de "rocaille" (piedritas) y "coquille" (concha), elementos en los cuales se inspiran los primeros diseños. Lo que llama la atención de los creadores es la forma irregular de los elementos naturales como las conchas, las piedras marinas y las formas vegetales. Lo importante es la decoración, completamente libre y asimétrica, con líneas irregulares, onduladas, curvas y contracurvas asociadas en ritmos ligeros. Esta decoración incluye estucos y rejas forjadas. Este aspecto hace del Rococó un arte íntimo, más de interior que de exterior.

Respecto a la escultura, el estilo provoca en España la aparición de ciertos rasgos que se incorporan al vocabulario básico del Barroco, pero que no llegan a modificarlo. Entre ellos, una mayor dulzura e intimismo en la interpretación de los temas y un mayor aprecio por lo pintoresco y por los detalles más triviales.

En cuanto a la pintura, son escasos los artistas españoles cuyo estilo puede calificarse como propiamente rococó. Destacan Luis Meléndez y Luis Paret.

Luis Paret y Alcázar (1746-1799) pintó escenas galantes y cuadros costumbristas de carácter amable, con tonalidades brillantes de gran efecto decorativo que lo convierten en el representante más importante de la pintura rococó en española.

Entre sus pinturas destacan El baile de las máscaras, Las Parejas Reales o Fiesta en el Jardín Botánico. Para Carlos III también realizó una serie de vistas de puertos y marinas del Cantábrico.

Los  orígenes del arte rococó en los jardines se remontan al siglo XVIII, antes de la revolución francesa, y era un arte individualista, con colores luminosos, realista y su fin último es reflejar lo agradable a los sentidos.  Fueron jardines esencialmente diseñados para la contemplación, esto explica la laboriosidad en la creación y mantenimiento de los jardines así como la atención a los detalles.

El arte barroco en El Salvador

El arte barroco en El Salvador

El arte barroco sinónimo de Triunfo, la Arquitectura y pintura es sin duda un arte bello. El barroco nace en Italia en siglo XVII pero su mayor auge fue en España, El barroco nace con la expectativa de la perfección ya que después de la época del renacentismo y el manierismo el Barroco quiso superar las expectativas ya dadas por estos artes anteriores. Surgió para mejorar el arte Renacentismo.

El palacio nacional fue creado por medio de un arte llamado el barroco entre otros que también fueron utilizados por la arquitectura general de esta obra está definida por el estilo ecléctico el cual responde al orden jónico, corintio y romano de sus elementos. Esta edificación conserva la mayoría de materiales que le conforman: la cristalería procedente de Bélgica, el mármol importado desde Italia y la madera procedente de el salvador.

El palacio nacional cuenta con unos acabados muy finos donde inician desde sus puertas hasta finalizar en el cielo, prevalece en su ornamentación influencias de los estilos clásicos, renacentistas y barroco, por ejemplo en el salón azul en su interior presenta tres arcos de medios de puntos tallados en granito gris  y arriba de estos insertaron medallones patrióticos y su ornamentación también fue grabada con medallones enmarcados y decorados con figuras volutas y guirnaldas todos con nombres reconocidos personajes como el presbiterio Isidro Menéndez, doctor francisco dueñas entre otros.

El arte del barroco se observa en su infraestructura y en los adornos que posee el Palacio Nacional, ya que es un arte que surgió en el siglo XVll, caracterizado por una evolución de las ideas y aspectos temáticos y formales del Renacimiento. 

El barroco trae consigo mismo una renovación de técnicas y de estilos. En Europa, y sobre todo en España, la Contrarreforma influye en gran medida sobre este movimiento; las expresiones italianas que llegaban desde el Renacimiento se asimilan pero al mismo tiempo se españolizan y las técnicas y estilos se adaptan aún más a la tradición española. 

En el Palacio Nacional se da la detonación de colores claros y oscuros, además posee una alfombra roja que dirige al salón principal que es el Rojo ya que es el más elegante del Palacio en donde se hacia el recibimiento diplomático, es el lugar más básico, y también es el lugar más barroco, en este salón se manifiesta el poder del país y sus decoraciones tales como los medallones de las fotos con los querubines dan un significado de gloria, su lámpara estilo araña, las medallas con los nombres de los 14 departamentos del país, también posee un letrero con  las frases Dios Unió Libertad que demuestra que fueron liberales, el lirio que es el símbolo de la nobleza barroca francés, la flor de Lis que es un elogio masónico, predomina en sus paredes el color rojo y blanco con profusión de detalles en dorado, se destacan los óleos de seis gobernantes Salvadoreños.

El Manierismo en El Salvador

El Manierismo en El Salvador

El Manierismo es un arte que surge en la década de XVI en Italia y que en la actualidad en El Salvador aún se mantiene con el propósito de darle un sentido más sacro a la pintura salvadoreña,  ya que los manieristas de dan un peculiar trazamiento al cuerpo humano, como alargar con elegancia y distorsionar la imagen.

El Salvador cuenta con unos de los mejores pintores manieristas como lo es Luis Lazo Chaparro, quién  nación en San Salvador el 6 de enero de 1960, ha estudiado en escuela de Arte como Diseño Gráfico en la Universidad Iberoamericana, en México, La Academia de pintura de Rosa Mena Valenzuela en san Salvador, El Taller de Cerámica de Alfonso Mirón, en Guatemala y La Academia de Arte Lorenzo de Medias en Florencia Italia.

El pintor Luis Lazo plasmo muy bien el manierismo en cada una de las pinturas, al principio podemos ver una combinación de colores oscuros que es lo que más maneja en cada una de las pinturas así mismo siguiendo el recorrido podemos observar que se altera la realidad porque vemos cosas que en otras pinturas no se observa.

Estas características puede ser que el rostro de cada personaje que sale no se nota esta como borroso, no se logra ver un rostro fijo, para muchos es raro poder observar esto ya que en la mentalidad de uno es que el arte tiene que ser exacto que nos muestre bien cada pintura todos los rasgos que se encuentren en ella.

Debemos tener en cuenta que el manierismo no solo utiliza tonos cálidos como el de los cuadros de Luis Lazo, también hay colores fríos como lo son los blancos y azules en ocasiones son fuertes y contrastan entre ellos aunque no es el caso de las pinturas de Luis Lazo, con esto queremos llegar que el estilo de la Flama propio de Manierismo no define que un cuadro sea manierista es un conjunto de partes que denotan la pintura.

El arte manierista no solo se utiliza en cuadros religiosos como los del vía Crucis recordemos que es un estilo una manera de pintar, los cuadros manieristas pueden ser de desnudos de rostros entre otros no básicamente de religiosidad.

Este arte lo podemos encontrar en los cuadros de la Capilla de la Cripta de Monseñor Oscar Arnulfo Romero, en Catedral de San salvador ya que fueron donadas por el pintor Luis Lazo quien lo hizo con la intención de restaurar lo que es la tradición religiosa.

En las obras está inspirado lo que es el Vía crucis con un arte sacro, tiene toda la influencia de esa época y posee características del manierismo como la exageración y el contraste en el caso de la pintura cuando crucificaban a Jesús, este aparece exageradamente musculoso como que está perdiéndose lo más propio del clasicismo y la belleza, se dan mucho las proporciones, la armonía, la serenidad y el equilibrio.

Cuál es la verdadera identidad del indígena salvadoreño

Cuál es la verdadera identidad del indígena salvadoreño

En El Salvador la verdadera identidad indígena cada vez es  menos evidente y todo esto se debe a que dichos grupos étnicos han perdido casi en su totalidad las diferentes tradiciones o manifestaciones  de su cultura   dentro de las que se puede mencionar como más importantes  la  lengua, el vestuario, la religión y costumbres, junto a ello también podemos agregar la confusión entre la creación de varios personajes indígenas, tratándose de esta manera  muy difícil reconocer a un indígena de un campesino o de un salvadoreño contemporáneo y aunque hay diferentes monumentos en los que se hace honor a tales  figuras indígenas existe la duda sobre si en verdad existieron o si solamente fueron creadas sin ninguna referencia.

Es por ello que dentro de este  artículo conoceremos un poco acerca de tres figuras indígenas importantes para la población, y digo para la población porque para muchos aunque no conozcan sobre la historia de estos personajes tienden a identificarse con ellos, un ejemplo de ello es el batallón Atlacatl.

Debido a la mala información sobre los indígenas una gama de artistas y escritores que simpatizaban con el statu que creyendo hacerle un bien a la derecha se dedicaron a construir ídolos con pies de barro cuyas fuentes históricas no existen. Es de suponer con justa lógica que debió existir un mando indígena con jefes y estructura social, pero de allí a saber con exactitud que se llamó Atlacatl, Atonal o Huistaluxitl es además un engaño. Si de tener un héroe indígena se trata, es el momento de comenzar hacerle justicia a Anastasio Aquino, pues llevó a cabo su revuelta nonualca en 1832, y exigía: tierra y libertad para su pueblo, del cual fue asesinado, por defender a su pueblo.

Entonces Atlacatl fue el líder indígena que se opuso a la conquista del Señorío de Cuscatlán por parte de Pedro de Alvarado, quien tuvo que huir del lugar por la fuerte resistencia. Fue hasta cuatro años después que otro conquistador, Diego de Alvarado, logra derrotar a Atlacatl. Sin embargo, para otros, Atlacatl es un mito surgido de la opresión española, representaba “al indígena rebelde y mártir”.

Como entendemos la globalización en El Salvador

La globalización o mundialización.

Es un proceso económico, tecnológico, social y cultural a escala planetaria que consiste en la creciente comunicación e interdependencia entre los distintos países del mundo uniendo sus mercados, sociedades y culturas, a través de una serie de transformaciones sociales, económicas y políticas que les dan un carácter global.

La globalización es a menudo identificada como un proceso dinámico producido principalmente por las sociedades que viven bajo el capitalismo democrático o la democracia liberal, y que han abierto sus puertas a la revolución informática, llegando a un nivel considerable de liberalización y democratización en su cultura política, en su ordenamiento jurídico y económico nacional, y en sus relaciones internacionales.

La globalización se define como "Las relaciones mundiales que unen localidades distantes, de tal modo que los acontecimientos están condicionados por eventos que ocurren a muchas millas de distancia", es decir que l0 que sucede en otros lugares del mundo nos afecta en nuestra vida cotidiana. Sin embargo, las desigualdades se hacen presentes en este fenómeno, ya que, al ser países pequeños y dependientes, en muchas ocasiones nos vemos excluidos; es decir, nos desconectamos de este sistema. En distintas oportunidades se relaciona la globalización con el ámbito económico, pero esta va más allá, abarca también lo social, lo político, lo cultural, etc.

En El Salvador, las empresas multinacionales han llegado a sustituir a las nacionales. Este factor se relaciona con la competitividad. Las empresas extranjeras tienen las características y el capital necesario para competir en un mercado tan cambiante, caso contrario a las empresas nacionales, que, a pesar de poder ofrecer productos de calidad, los recursos monetarios son limitados y a la hora de enfrentarse a otras empresas no les queda más que irse a la quiebra.

La globalización económica

La globalización económica consiste en la creación de un mercado mundial en el que se suprimen todas las barreras arancelarias para permitir la libre circulación de los capitales: financiero, comercial y productivo.

El capital financiero, es el dinero, los préstamos y créditos internacionales y la inversión extranjera. Su característica es que no ocupa un lugar determinado y que gracias a la tecnología puede trasladarse de un lugar a otro con rapidez.

El capital productivo, lo constituyen el dinero invertido en materias primas, bienes de capital (maquinaria, herramientas, edificios, terrenos, vehículos, etc,) y la mano de obra.

La globalización entonces, vendría a ser como la etapa de culminación del proceso histórico de expansión del capitalismo, con dos objetivos: la libre movilidad del capital y la creación de un solo mercado mundial.

Una relación entre la civilización precolombina y civilización asiática

Una relación entre la civilización precolombina y civilización asiática

LAS GRANDES CIVILIZACIONES PRECOLOMBINAS

Los exploradores europeos lo llamaron Nuevo Mundo, porque el continente americano era “nuevo” para ellos, cuando lo descubrieron, hace cinco siglos. Llamaron indios a sus habitantes, porque pensaron que habían arribado a la India, al Oriente fabuloso de las especias tan deseadas. Para los españoles siguieron siendo las “Indias” durante siglos. En realidad, las Américas son tan antiguas como los demás continentes. Los científicos van encontrando antecedentes cada vez más remotos de la existencia del hombre en tierra americana.

Halas de obsidiana de hechura humana fueron halladas en Tule Springs, Nevada, junto con gigantescos huesos de bisonte de 24.000 años de antigüedad. La mayoría de los especialistas cree hoy que el hombre emigró del Vieja Mundo al Nuevo, a través del Estrecho de Bering hace miles de años y que, persiguiendo la caza, atravesó el continente, llegando al remoto Estrecho de Magallanes, donde se han hallado vestigios de campamentos de más de 10.000 años.

Para el año 2000 antes de la Era Cristiana, los habitantes de Meso y Sudamérica habían dado un paso decisivo al trocar la caza, como medio principal de vida, por el cultivo de una planta aborigen llamada maíz. Sobre la economía agrícola así desarrollada, la sociedad se organizó en aldeas comparables a las de los pueblos neolíticos del Viejo Mundo. De estas raíces sociales brotaron tres civilizaciones de gran poderío y esplendor: la maya y la azteca, en Mesoamérica, y la inca, en la América del Sur.

En América existieron tres grandes civilizaciones; la azteca, la maya y la inca. Las dos primeras se desarrollaron en México y la ultima en América del Sur. Ellas se habían organizado en formas variadas de organización social, dejando grandes monumentos.

Estas tres grandes civilizaciones llegaron a su auge tras la conquista de los españoles en el siglo XVI.

El objetivo que deseamos alcanzar con este trabajo es el de explorar la cultura de las civilizaciones precolombinas, hallar sus similitudes y diferencias, y analizarlas detalladamente en todos sus aspectos.

Las grandes civilizaciones asiáticas

A la vez que en torno al Mediterráneo y en el resto de Europa se iban desarrollando las civilizaciones y culturas anteriormente estudiadas, en otros lugares del mundo fueron también desarrollándose otras civilizaciones que mantenían escaso o nulo contacto con las anteriores.

En la Edad Media, Marco Polo trajo noticias de otros pueblos situados en el extremo oriental del mundo conocido. Este contacto fue el origen de una serie de relaciones de tipo comercial que hicieron que poco a poco fueran dándonos a conocer otras culturas y formas de vida diferentes a las conocidas en Europa.

Para la historiografía occidental y para la sociedad occidental hay una tendencia general a creer que el origen de las primeras grandes civilizaciones ocurre en Grecia y Roma y que aquellas junto con Egipto y Mesopotamia son las primeras y únicas en conformarse en grandes entidades sociales, estatales, económicas y culturales. Esto provoca que constantemente se evada que al mismo tiempo y quizá mucho antes que estas sociedades, surgieron en el lejano oriente, en China e India, civilizaciones con una complejidad igual o mayor en algunos casos a las culturas ya citadas. Por otro lado si somos exhaustivos nos daremos cuenta que muchas cuestiones que provienen originalmente de estas culturas fueron a dar a occidente y que aún hoy día utilizamos – o se utilizaron-, entre aquellas cuestiones podemos mencionar como ejemplos el Algodón, la pólvora, la brújula, la Ballesta, el mijo, la Seda, entre otros productos.

Hacer comparacion entre la comedia del arte medieval con los moros y cristianos de El Salvador

Hacer comparación entre la comedia del arte medieval con los moros y cristianos de El Salvador

La comedia del arte medieval es una  forma del teatro más o menos en el los siglos XVI y XVII, nació en Italia y luego se expandió en toda Europa, la mayoría utilizaban mascaras se ocultaban en ellas, era un teatro cuyo objetivo era hacer reír al público, presentando a un grupo de personajes satíricos, dentro de este encontramos dos tipos de personajes los amos y los criados, contamos tipo de personajes como las mujeres vulgares del pueblo, dentro de los amos estaba los viejos decrépitos avaros y de poder económico, también encontramos un capitán que representa el poder militar, entre muchos más.

El arte medieval es una etapa de la historia del arte que cubre un prolongado período para una enorme extensión espacial. La Edad Media del siglo V al siglo XV supone más de mil años de arte en Europa. Durante el medioevo, las representaciones teatrales las hacían aficionados, estudiantes o cofradías religiosas, aunque es muy poco o casi nada lo que se puede apreciar de ese tiempo.

La trama de esto es que los moros son los malos y los cristianos son los buenos, luchan entre ellos y al final vencen los cristianos, los integrantes en total son alrededor de 12 a 15 personas. Los papeles a representar se dan indistintamente, pero en otras ocasiones hay rangos de personajes como el alférez, el capitán de batallón o reyes, dados en función de la experiencia del danzante.

Generalmente sus integrantes son hombres, los vestidos que se utilizan se encuentran máscaras de hombres rubios y barbados, pantalones sencillos y trajes de guerreros cruzados por los cristianos. Los moros llevan plumas, cascos de figuras zoomorfas y colores brillantes. Ambos utilizan también figuras de papel de estaño, bordados y artículos brillantes. Como armas portan machetes y espadas.

Esta danza fue introducida por los conquistadores ibéricos en la etapa de colonización del continente americano. En ella representaban aspectos religiosos y de guerra. Su origen data de las luchas de los moros o musulmanes contra los reyes cristianos quienes pretendían expulsar a aquellos de la península Ibérica y quitarles su dominio de casi ocho siglos.

La ambición prevaleció sobre las buenas intenciones de muchos que decían venir a anunciar las buenas nuevas de dios y fue así como se retomaron algunos elementos ya existentes para ver realizados sus propósitos de poder y riqueza.

Las danzas y rituales de guerra de los nativos representaban elementos fértiles y propicios para lograr lo anterior. Producto de ese momento histórico, y por tanto del sincretismo cultural es la Danza de Moros y cristianos, de los Historiantes o Danza de la Conquista.

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Análisis de la santísima trinidad Andrei Rublev y la santísima trinidad de la iglesia católica

Santísima trinidad de Andrei Rublev

Andrei Rublev es el representante del primer estilo que puede considerarse auténticamente ruso y que consiste en suavizar el estilo del arte bizantino más tradicional. Fue ampliamente imitado durante los dos siglos siguientes.

La historia de la Iglesia Católica Ortodoxa no terminó con Rusia a la cabeza, ya que posteriormente, en el siglo XIX, y debido a la difícil situación que se vivía en Oriente, comenzaron las emigraciones hacia América y el establecimiento de sus patriarcados en varios países del continente, cuya misión principal fue promulgar el Evangelio y expandir sus fronteras.

 Es así como a fines del siglo XIX llegaron a América los primeros emigrantes, quienes dieron origen a la Iglesia Católica Ortodoxa en nuestro país56 y con ella al surgimiento y desarrollo de una producción iconográfica local, que conservó las características fundamentales de los primeros iconos. Estos iconos tienen sus raíces tanto en el primer arte religioso, inscrito en las catacumbas, como en el posterior arte imperial bizantino.

El principio trinitario es el fundamento increbantable que une lo personal y lo comunitario y da un sentido último a todo. La imagen de Dios Uno y Trino a la vez se erige en única norma de toda existencia. La Trinidad es imagen conductora de los hombres, comunidad de amor mutuo, unidad en lo múltiple, unidad de todas las personas en una sola naturaleza recapitulada en Cristo.

El dogma enuncia: Tres personas (hypostases) y una sola naturaleza o esencia (ousia). Tres personas consustanciales representan la unidad absoluta y la diversidad absoluta. Están unidas no para confundirse sino para contenerse mutuamente. Cada Persona es una forma única de contener la esencia idéntica, de recibirla de las Otras, de darla a las Otras, y así de presentar a las Otras.

Santísima trinidad de la iglesia católica

En el año 800, Carlomagno fue coronado como Emperador de Occidente por el Papa León III, hecho que no fue aceptado por Oriente, por considerar al nuevo Emperador franco, un bárbaro. Fue así como el Imperio quedó divido, con dos emperadores cristianos, uno en Oriente y otro en Occidente, acontecimiento que favoreció a la separación tanto religiosa como política.

Carlomagno no intentó atacar al Emperador Oriental, pero sí comenzó una importante persecución de herejes, ya que no era difícil acusar como tal a cualquier comunidad cristiana. Con esto pretendió establecer su derecho como único sucesor de Constantino y, ayudado por los obispos de occidente, acusó a la Iglesia Oriental de haber intervenido en el Credo omitiendo el Filioque.

En el evangelio Jesús nos revela el misterio más grande que existe, es un dogma de fe, es decir, una verdad que debemos creer, si nos llamamos cristianos. Cada vez que rezamos el Credo, decimos creer en un solo y único Dios, que es Padre Creador, que es Hijo Redentor y que es Espíritu Santo, Señor y Dador de Vida y Santificador.

El misterio de la Santísima Trinidad, es uno de los "misterios escondidos en Dios, -que como dice el Concilio Vaticano II-, si no son revelados, no pueden ser conocidos" Y, aun después de la Revelación, es el misterio más profundo de la fe, que el entendimiento por sí solo no puede comprender ni penetrar.

Toda la Sagrada Escritura revela esta verdad: "Dios es Amor en la vida interior de una única Divinidad, como una inefable comunión de personas". Son Tres Personas distintas en un sólo Dios, como aprendimos en el catecismo.

El misterio de la Santísima Trinidad es la revelación más grande hecha por Jesucristo. Los judíos adoran la unicidad de Dios y desconocen la pluralidad de personas en la unicidad de la sustancia. Los demás pueblos adoran la multiplicidad de los dioses. El cristianismo es la única religión que ha descubierto, en la revelación de Jesús, que Dios es uno en tres personas. Ante esta revelación divina de su íntima esencia, no nos queda otra cosa que agradecerle esta confianza y adorar a las Tres Personas Divinas.

Hacer comparación entre la moral pre-moderna y la moral moderna

Hacer comparación entre la moral pre-moderna y la moral moderna

Primero tenemos que saber el significado de la palabra moral pre-moderna, el término posmodernidad o postmodernidad fue utilizado para designar generalmente a un amplio número de movimientos artísticos, culturales, literarios y filosóficos del siglo XX, que se extienden hasta hoy, definidos en diverso grado y manera por su oposición o superación de las tendencias de la Edad Moderna.

Para Aristóteles, el conocimiento ético se articula en torno a dos conceptos: eudaimonía (la felicidad objetiva, la vida lograda), que es la finalidad de la ética, y virtudes (los modos de obrar necesarios para obtener esa plenitud de vida). No existe la noción de una “ley moral”, asociada a un deber categórico, absoluto, aunque Aristóteles, como se verá más adelante, reconoce la existencia de algunas prohibiciones morales carentes de excepción.

Por su parte, el cristianismo y el judaísmo expresan la ética en los Mandamientos de la Ley de Dios. En esta tradición, el hombre justo, virtuoso, es quien “cumple los mandamientos”. El cristianismo y el judaísmo establecen un deber moral categórico, que consiste en obedecer los mandamientos.

En la modernidad el hombre admira el mundo y despierta del sueño del dogma, y tiene su visión en la razón, el hombre se vuelve un ser racional y cree exclusivamente en la razón para conocer la verdad y sospecha del dogma católico y teológico, el hombre en este período cree en la liberación individual para dirigir su destino y combate toda forma de monarquía absoluta, al poder económico y clases y grupos de clases, al poder del estado entre otros. En este periodo el hombre se libera de muchas cosas una de ellas es las supersticiones y cree que la infelicidad del hombre radica en la superstición y el miedo a hacer cosas contrarias al dogma religioso, el hombre cree en él y sabe que es capaz de cambiar al mundo con la industrialización, el progreso y se vuelve un hombre optimista.

El pensamiento filosófico occidental de la antigüedad acerca de la forma de vivir se centró en la cuestión del supremo bien: ¿qué vida es más plena y duraderamente satisfactoria? Si bien se pensaba que la virtud había de regir las relaciones de uno con los demás, el objetivo primordial era alcanzar el bien para uno mismo.

 El cristianismo enseñó que sólo mediante la salvación podía alcanzarse el supremo bien, y complicó la búsqueda de éste insistiendo en la obediencia a los mandamientos de Dios. El cometido característico de la ética filosófica moderna se formó a medida que las ideas del supremo bien y de la voluntad del Dios cristiano llegaron a parecer cada vez menos capaces de ofrecer una orientación práctica. Dado que en la actualidad son muchas las personas que no creen, como los antiguos, que existe sólo una mejor forma de vida mejor para todos, y dado que muchos piensan que no podemos resolver nuestros problemas prácticos sobre una base religiosa, las cuestiones de la ética occidental moderna son inevitablemente aún nuestras propias cuestiones.

Si no hay un supremo bien determinado por la naturaleza o por Dios, ¿cómo podemos conocer si nuestros deseos son descarriados o fundados? Si no hay leyes decretadas por Dios, ¿qué puede decirnos cuándo hemos de negarnos a hacer lo que nos piden nuestros deseos y cómo hemos de proceder?

La filosofía moral moderna partió de la consideración de estos problemas. No hay una forma estándar de organizar su historia, pero puede ser útil considerar tres etapas en ella. 

    1) La primera etapa es la de separación gradual del supuesto tradicional de que la moralidad debe proceder de alguna fuente de autoridad fuera de la naturaleza humana, hacia la creencia de que la moralidad puede surgir de recursos internos a la propia naturaleza humana. Fue el tránsito desde la concepción de que la moralidad debe imponerse al ser humano a la creencia de que la moralidad puede comprenderse como autogobierno o autonomía del ser humano. Esta etapa comienza con los Ensayos de Michel de Montaigne (1595) y culmina en la obra de Kant (1785), Reid (1788) y Bentham (1789).

    2) Durante la segunda etapa, la filosofía moral se dedicó sustancialmente a crear y defender la concepción de la autonomía individual, haciendo frente a nuevas objeciones e ideando alternativas. Este período va desde la asimilación de la obra de Reid, Bentham y Kant hasta el último tercio de este siglo.

    3) Desde entonces, los filósofos morales han desplazado la atención del problema del individuo autónomo hacia nuevas cuestiones relacionadas con la moralidad pública.