Diferencias entre el Greco y Botero

Diferencias entre el Greco y Botero

EL GRECO

Doménikos Theotokópoulos nació en Candía (Creta), en 1541. Hasta los 26 años vivió en su isla natal, donde fue un apreciado maestro de iconos en el estilo pos bizantino. Residió diez años en Italia, donde se transformó en un pintor renacentista, primero en Venecia, asumiendo plenamente el estilo de Tiziano, y después en Roma, en contacto con el manierismo de Miguel Ángel. En 1577 se estableció en Toledo, donde vivió y trabajó el resto de su vida. Durante los 37 años que El Greco reside en Toledo, su arte sufre una profunda evolución.

En una primera etapa, se mantiene fiel a sus fuentes italianas. Pero hacia 1600, se intensifican los elementos artificiales e irreales de sus obras, fundamentalmente anti naturalistas y neoplatónicas. Murió en Toledo, en 1614.

 Aunque pintó sobre todo obras religiosas, se le deben también importantes retratos (Félix Paravicino, El caballero de la mano en el pecho) y algunos cuadros de temática diversa.

BOTERO

Pocos artistas hispanoamericanos han logrado tanta repercusión a nivel internacional como el pintor y escultor colombiano Fernando Botero. Su personalísimo estilo, que tiene entre sus rasgos más fácilmente identificables el agrandamiento o la deformación de los volúmenes, ha merecido la admiración tanto de la crítica como del gran público, que no puede sustraerse a la singular expresividad de una estética en la que las problemáticas humanas y sociales ocupan un lugar prioritario.

Sus primeras obras de retratos, paisajes y escenas costumbristas están realizadas con una pincelada muy suelta, que se irá empastando progresivamente, al tiempo que tanto la perspectiva como las figuras se hacen arbitrarias.

A principios de los años sesenta Fernando Botero se estableció en Nueva York, donde sus pinturas le granjearon una notable popularidad en el mercado artístico estadounidense. Entre sus obras más conocidas cabe destacar La alcoba nupcial,Mona Lisa a los doce años y El quite. Su traslado a París coincidió con sus primeros trabajos escultóricos, que compartían las características de su obra pictórica.

El estilo de Botero, plenamente figurativo, se caracteriza en lo plástico por cierto aire naïf y en lo temático por la representación de personas y animales siempre como figuras corpulentas, incluso claramente obesas.

Analisis obra, Leonardo da Vinci y El Bosco

Analisis obra, Leonardo da Vinci y El Bosco

Leonardo da Vinci

Investigadores italianos revelaron las técnicas de pintura de Leonardo da Vinci, señalando que no "usó la paleta y mezclaba los colores directamente en las telas". 

Mediante la utilización de un sistema científico, los expertos de la Universidad de Florencia analizaron la pintura "Virgen de la Rueca" en la que aseguraron se puede apreciar "cada pincelada" hecha por el artista del Renacimiento. 

El meticuloso análisis del óleo permitió determinar que Da Vinci evitaba mezclar los colores en una paleta de pintor, como hacían sus contemporáneos. Leonardo da Vinci aplicaba delgadas capas de pintura directamente en las telas, en diferentes colores uno encima del otro, para crear una textura múltiple. 

Diferencias entre los artistas Bosco y  Leonardo Da Vinci:

• Exploraron en sus pinturas el mundo de los sueños ya que  el Bosco expresaba  sus ensoñaciones esotéricas y religiosas.

• Sus pinturas están pobladas de escenas grotescas protagonizadas por seres fantásticos que sucumben a toda índole de fantasías, angustias y anhelos humanos.

• Una de sus grandes genialidades fue tomar las representaciones figurativas y escénicas conocidas como drolleries, que utilizan monstruos y seres grotescos para ilustrar los pecados y el mal, y trasladarlas de los márgenes de los manuscritos miniados a pinturas en retablos de gran formato.

El Bosco

Las figuraciones y técnicas de El Bosco son notablemente diferentes de las empleadas por otros maestros flamencos. Técnicamente pintaba alla prima, es decir, con la primera pincelada sobre el lienzo y aplicando nuevas capas de pintura sobre otras todavía húmedas. Sin embargo, el análisis de cada una de sus obras demuestra que hacía un concienzudo y detallado proyecto antes de la ejecución; innovó también en la gama de colores, con tonalidades más contrastadas y atrevidas.

En cuanto a la figuración, el Bosco se destaca por representar a personajes santos como sujetos comunes y vulnerables (total diferencia en esto con Van Eyck, y en cambio mucha similitud conMatthias Grünewald). Es tan patética la vulnerabilidad de los personajes santos representados que los hace queridos por empatía. Prácticamente todos los personajes que representa tienen algo de caricatura.

El arte rococó en El Salvador

El arte rococó en El Salvador

Europa se ha caracterizado como el continente más antiguo del mundo y es por tal razón que en la sociedad es conocido como el viejo continente, el cual tiene una gran riqueza histórica en cada una de sus naciones y que han influido en otros continentes del mundo tal y como lo es en América, tras la conquista de los españoles, portugueses, franceses e ingleses,  quienes establecieron su dominio sobre las tribus del continente americano  y junto con ello arrancaron la cultura nativa de los lugareños, mezclándola con las diferentes tradiciones y costumbres europeas, las cuales podemos decir que no solo se enmarcaron en el comportamiento humano,  sino que también en el arte y su arquitectura que han sido los rasgos más evidentes sobre dicho continente en los países americanos.

El estilo Rococó nace en Francia a principios del siglo XVIII y se desarrolla durante los reinados de Luis XV y Luis XVI. Ha sido considerado como la culminación del Barroco, sin embargo, es un estilo independiente que surge como reacción al barroco clásico impuesto por la corte de Luis XIV. 

La nota más llamativa es su tendencia a expresarse en interiores decorativos. Sus manifestaciones se ciñen a los siguientes campos: Las expresiones mobiliarias, Las expresiones decorativas y utilitarias en cerámica, cristal y orfebrería. La tapicería, Las tipologías de pintura y escultura.

La palabra rococo es una combinación de "rocaille" (piedritas) y "coquille" (concha), elementos en los cuales se inspiran los primeros diseños. Lo que llama la atención de los creadores es la forma irregular de los elementos naturales como las conchas, las piedras marinas y las formas vegetales. Lo importante es la decoración, completamente libre y asimétrica, con líneas irregulares, onduladas, curvas y contracurvas asociadas en ritmos ligeros. Esta decoración incluye estucos y rejas forjadas. Este aspecto hace del Rococó un arte íntimo, más de interior que de exterior.

Respecto a la escultura, el estilo provoca en España la aparición de ciertos rasgos que se incorporan al vocabulario básico del Barroco, pero que no llegan a modificarlo. Entre ellos, una mayor dulzura e intimismo en la interpretación de los temas y un mayor aprecio por lo pintoresco y por los detalles más triviales.

En cuanto a la pintura, son escasos los artistas españoles cuyo estilo puede calificarse como propiamente rococó. Destacan Luis Meléndez y Luis Paret.

Luis Paret y Alcázar (1746-1799) pintó escenas galantes y cuadros costumbristas de carácter amable, con tonalidades brillantes de gran efecto decorativo que lo convierten en el representante más importante de la pintura rococó en española.

Entre sus pinturas destacan El baile de las máscaras, Las Parejas Reales o Fiesta en el Jardín Botánico. Para Carlos III también realizó una serie de vistas de puertos y marinas del Cantábrico.

Los  orígenes del arte rococó en los jardines se remontan al siglo XVIII, antes de la revolución francesa, y era un arte individualista, con colores luminosos, realista y su fin último es reflejar lo agradable a los sentidos.  Fueron jardines esencialmente diseñados para la contemplación, esto explica la laboriosidad en la creación y mantenimiento de los jardines así como la atención a los detalles.

El arte barroco en El Salvador

El arte barroco en El Salvador

El arte barroco sinónimo de Triunfo, la Arquitectura y pintura es sin duda un arte bello. El barroco nace en Italia en siglo XVII pero su mayor auge fue en España, El barroco nace con la expectativa de la perfección ya que después de la época del renacentismo y el manierismo el Barroco quiso superar las expectativas ya dadas por estos artes anteriores. Surgió para mejorar el arte Renacentismo.

El palacio nacional fue creado por medio de un arte llamado el barroco entre otros que también fueron utilizados por la arquitectura general de esta obra está definida por el estilo ecléctico el cual responde al orden jónico, corintio y romano de sus elementos. Esta edificación conserva la mayoría de materiales que le conforman: la cristalería procedente de Bélgica, el mármol importado desde Italia y la madera procedente de el salvador.

El palacio nacional cuenta con unos acabados muy finos donde inician desde sus puertas hasta finalizar en el cielo, prevalece en su ornamentación influencias de los estilos clásicos, renacentistas y barroco, por ejemplo en el salón azul en su interior presenta tres arcos de medios de puntos tallados en granito gris  y arriba de estos insertaron medallones patrióticos y su ornamentación también fue grabada con medallones enmarcados y decorados con figuras volutas y guirnaldas todos con nombres reconocidos personajes como el presbiterio Isidro Menéndez, doctor francisco dueñas entre otros.

El arte del barroco se observa en su infraestructura y en los adornos que posee el Palacio Nacional, ya que es un arte que surgió en el siglo XVll, caracterizado por una evolución de las ideas y aspectos temáticos y formales del Renacimiento. 

El barroco trae consigo mismo una renovación de técnicas y de estilos. En Europa, y sobre todo en España, la Contrarreforma influye en gran medida sobre este movimiento; las expresiones italianas que llegaban desde el Renacimiento se asimilan pero al mismo tiempo se españolizan y las técnicas y estilos se adaptan aún más a la tradición española. 

En el Palacio Nacional se da la detonación de colores claros y oscuros, además posee una alfombra roja que dirige al salón principal que es el Rojo ya que es el más elegante del Palacio en donde se hacia el recibimiento diplomático, es el lugar más básico, y también es el lugar más barroco, en este salón se manifiesta el poder del país y sus decoraciones tales como los medallones de las fotos con los querubines dan un significado de gloria, su lámpara estilo araña, las medallas con los nombres de los 14 departamentos del país, también posee un letrero con  las frases Dios Unió Libertad que demuestra que fueron liberales, el lirio que es el símbolo de la nobleza barroca francés, la flor de Lis que es un elogio masónico, predomina en sus paredes el color rojo y blanco con profusión de detalles en dorado, se destacan los óleos de seis gobernantes Salvadoreños.

El Manierismo en El Salvador

El Manierismo en El Salvador

El Manierismo es un arte que surge en la década de XVI en Italia y que en la actualidad en El Salvador aún se mantiene con el propósito de darle un sentido más sacro a la pintura salvadoreña,  ya que los manieristas de dan un peculiar trazamiento al cuerpo humano, como alargar con elegancia y distorsionar la imagen.

El Salvador cuenta con unos de los mejores pintores manieristas como lo es Luis Lazo Chaparro, quién  nación en San Salvador el 6 de enero de 1960, ha estudiado en escuela de Arte como Diseño Gráfico en la Universidad Iberoamericana, en México, La Academia de pintura de Rosa Mena Valenzuela en san Salvador, El Taller de Cerámica de Alfonso Mirón, en Guatemala y La Academia de Arte Lorenzo de Medias en Florencia Italia.

El pintor Luis Lazo plasmo muy bien el manierismo en cada una de las pinturas, al principio podemos ver una combinación de colores oscuros que es lo que más maneja en cada una de las pinturas así mismo siguiendo el recorrido podemos observar que se altera la realidad porque vemos cosas que en otras pinturas no se observa.

Estas características puede ser que el rostro de cada personaje que sale no se nota esta como borroso, no se logra ver un rostro fijo, para muchos es raro poder observar esto ya que en la mentalidad de uno es que el arte tiene que ser exacto que nos muestre bien cada pintura todos los rasgos que se encuentren en ella.

Debemos tener en cuenta que el manierismo no solo utiliza tonos cálidos como el de los cuadros de Luis Lazo, también hay colores fríos como lo son los blancos y azules en ocasiones son fuertes y contrastan entre ellos aunque no es el caso de las pinturas de Luis Lazo, con esto queremos llegar que el estilo de la Flama propio de Manierismo no define que un cuadro sea manierista es un conjunto de partes que denotan la pintura.

El arte manierista no solo se utiliza en cuadros religiosos como los del vía Crucis recordemos que es un estilo una manera de pintar, los cuadros manieristas pueden ser de desnudos de rostros entre otros no básicamente de religiosidad.

Este arte lo podemos encontrar en los cuadros de la Capilla de la Cripta de Monseñor Oscar Arnulfo Romero, en Catedral de San salvador ya que fueron donadas por el pintor Luis Lazo quien lo hizo con la intención de restaurar lo que es la tradición religiosa.

En las obras está inspirado lo que es el Vía crucis con un arte sacro, tiene toda la influencia de esa época y posee características del manierismo como la exageración y el contraste en el caso de la pintura cuando crucificaban a Jesús, este aparece exageradamente musculoso como que está perdiéndose lo más propio del clasicismo y la belleza, se dan mucho las proporciones, la armonía, la serenidad y el equilibrio.